Archives mensuelles : décembre 2014

Ciné-club Nanar 2 en 1 : Clash of the ninjas (1986) – Ninja in action (1987)

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– 19h : Clash of the ninjas (Wallace Chan – 1986 – 82 minutes)

avec Paulo Tocha, Louis Roth, Eric Neff, Joe Redner, James Mutch Crockett

Deux anciens disciples ninjas, l’un devenu agent des services secrets, l’autre mercenaire, vont voir leurs chemins se rejoindre à la suite d’assassinats.

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– 21h : Ninja in action (Tommy Cheng – 1987 – 85 minutes)

avec Stuart Smith, Louis Roth, Christine O’Hara, Kent Poon, Julie Luk

Un gang de ninjas dérobe des pierres précieuses. Leur chef élimine tous les hommes, sauf un qui cherche à se venger.

Les films de ninjas asiatiques sont un des piliers de la production nanar. Wallace Chan et Tommy Cheng semblent être des pseudonymes de Godfrey Ho (ce qu’il nie, mais son style unique ne trompe pas), sans doute le plus fameux réalisateur du genre. Avec les producteurs Joseph Lai (IFD Films), ou comme pour ces deux films Tomas Tang (Filmark), ils se sont spécialisés dans l’incroyable technique dite du 2 en 1 : l’essentiel du film est constitué de scènes d’un (ou parfois plusieurs) films préexistants (tout à fait illégalement bien sûr), auxquels sont ajoutées quelques scènes fraichement tournées avec des acteurs occidentaux semi-amateurs expatriés à Hong Kong (qui cabotinent très souvent). Le tout est remonté et doublé avec de nouveaux dialogues pour faire croire que tout le monde participe à la même histoire (souvent bancale). Ainsi la magie du montage donne l’impression que les acteurs de plusieurs films distincts se parlent ou se téléphonent entre eux ! Avec un budget ridicule, le producteur se retrouve avec un nouveau film prêt à inonder les salles occidentales. Et les tandems Ho/Lai et Ho/Tang en ont produit des dizaines, en pleine mode ninja, avec des titres aussi évocateurs et répétitifs que Ninja Terminator, Flic ou ninja, Golden ninja warrior, Full metal ninja, Black ninja, Ninja exterminator, parmi d’autres ! Ajoutons qu’on retrouve souvent dans la bande-son des morceaux de Pink Floyd, Joy Division, Tangerine Dream et bien d’autres, toujours sans les droits d’utilisation, évidemment ! N’oublions pas que la moitié de l’humour de ces nanars provient comme d’habitude du doublage français surréaliste, oscillant entre le jeu exagéré ou somnambule. Enfin, après 115 films, l’Ed Wood du cinéma hongkongais ne réalise plus mais est aujourd’hui professeur de cinéma à la Hong Kong Film Academy. Des cours magistraux assurément précieux !

Ciné-club Ultra-violence : Funny Games U.S. (2007) – Orange Mécanique (1971)

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– 19h : Funny Games U.S. (Michael Haneke – 2007 – 111 minutes)

Avec Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt, Brady Corbet, Devon Gearhart

Une famille américaine en vacances dans leur maison de campagne est malmenée par deux charmants jeunes hommes un peu trop joueurs.

Après sa trilogie de la glaciation émotionnelle, Michael Haneke avait réalisé en Autriche en 1997 un film choc, Funny Games. Dix ans plus tard, il réalise lui-même un remake, Funny Games U.S., avec exactement le même scénario, les mêmes dialogues, les mêmes plans de caméra, avec pour seule différence les décors et les acteurs. Pourquoi une initiative aussi étrange ? Il faut savoir que Funny Games était tout sauf un film de violence gratuite (qui est de toute façon et avant tout psychologique), mais une rude mise à l’épreuve du spectateur, visant à lui faire comprendre que la violence qu’on lui a habitué à voir au cinéma et à la télévision depuis des décennies était fausse, édulcorée, in fine toujours lavée dans la morale, la justice et le happy end, par la police ou de valeureux héros. En réalité, la véritable violence, telle qu’elle est vécue dans le monde réel n’a rien à voir avec celle de la fiction : elle est radicale, crue, douloureuse, et souvent sans secours. Le film avait beau avoir fait scandale lors de sa présentation au cinquantième Festival de Cannes, le film autrichien était passée complètement inaperçue aux Etats-Unis, qui est le pays même de la violence, à la fois réelle et fictionnelle, à travers son imposante industrie du divertissement audiovisuel qui vend de la violence (sous forme de scènes de fusillades ou de meurtres sanglants) comme des popcorns pour presque tous les publics. C’est pourquoi Haneke adopte une nouvelle stratégie, et décide de porter son discours cinématographique sur la violence non plus par la petite case des films indépendants en langue allemande importés d’Europe, mais avec un nouveau film en anglais produit par des capitaux internationaux, avec des stars américaines (Naomi Watts et Tim Roth) dans un cadre de vie américain à Long Island, afin qu’il ait une meilleure exposition sur les écrans nationaux. Le film s’avère être un échec au box-office, mais qu’importe, il demeure une des dénonciations définitives sur la violence de divertissement, grâce à son mécanisme psychologiques tout à fait machiavélique et rigoureux. En somme, l’Orange Mécanique des années 2000.

 ORANGE MECANIQUE

– 21h : Orange Mécanique (Stanley Kubrick – 1971 – 137 minutes)

Avec Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Warren Clarke, Adrienne Corri, David Prowse

« Il y avait moi, c’est à dire Alex et mes trois droogies, c’est à dire Pete, Georgie et Dim. Nous étions installés au Korova Milk Bar à nous creuser le rassoudok pour savoir où passer la soirée. Au Korova on sert du Lait Plus, Lait Plus Velocet ou Synthemesc ou Drinkrom. Nous, on en était au Drinkrom, ça vous affute l’esprit et ça vous met en train pour une bonne petite fête d’ultra violence. »

En 1962 Anthony Burgess écrit le livre L’Orange mécanique, inspiré par le viol de sa femme. En 1971, Stanley Kubrick, auréolé du triomphe de 2001, l’Odyssée de l’espace (1968), l’adapte au cinéma (en se basant sur l’édition américaine du livre, qui omet le chapitre final où Alex murit et renonce à la violence, ce qui rend la fin du film plus cynique et pessimiste). C’est un film de science-fiction qui pose le problème politique de la violence dans une époque de crise économique à l’horizon social sombre, en montrant le conflit entre le libre arbitre de l’individu et le contrôle totalitaire de l’Etat (ce qui est encore d’actualité, et sans doute pour longtemps). Après la sortie de films violents en 1971 comme Les Chiens de paille (Sam Peckinpah) ou Les Diables (Ken Russel), la polémique éclate dans les médias, Orange mécanique est classé X au cinéma. Suite à quelques actes de délinquances influencés par le film, ainsi que des lettres de protestation et de menaces contre sa famille, Kubrick (résident britannique) choisit d’interdire le film au Royaume-Uni. Il y restera donc officiellement invisible pendant vingt-sept ans, jusqu’à sa mort, ce qui a grandement contribué à en faire un film culte, qu’on ne pouvait réussir à voir qu’en copie pirate de mauvaise qualité. Mais au-delà de son aura sulfureuse, les qualités d’Orange mécanique résident évidemment dans son esthétique unique, visuellement futuriste et volontairement kitsch, en accentuant la mode psychédélique de l’époque. Les scènes de violence stylisée n’ont pas d’équivalent dans l’histoire du cinéma, magnifiée par la musique expérimentale de Wendy Carlos, du Beethoven, Purcell et Rossini joué sur synthétiseur Moog ! Malcolm McDowell (repéré dans If… en 1968) joue ici le rôle de sa vie, Alex DeLarge et son fameux langage nadsat (mélange d’argot anglais et de russe), devenu un symbole du jeune subversif et charismatique. L’influence et l’importance culturelle du film est immense, tant dans le cinéma (Quentin Tarantino, Gaspar Noé) que dans l’esthétique ou les paroles de groupe de musique (Led Zeppelin, David Bowie, Siouxsie and the Banshees, Blur), parmi bien d’autres clins d’œil audiovisuels (Simpson, South Park). Entre 2001 et Barry Lyndon, Orange mécanique est un des chefs d’œuvre qui ont fait de Stanley Kubrick est un des plus grands réalisateurs du cinéma.

Ciné-club William Holden prisonnier de guerre : Stalag 17 (1952) – Le Pont de la rivière Kwaï (1957)

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– 19h : Stalag 17 (Billy Wilder – 1952 – 121 minutes)

Avec William Holden, Don Taylor, Otto Preminger, Peter Graves, Robert Strauss

Durant la Seconde Guerre mondiale, des prisonniers de guerre américains d’un camp allemand mettent au point un plan d’évasion, sur fond de suspicion d’un indicateur secret qui communiquerait avec les gardes allemands.

Adapté d’une pièce à succès de Broadway écrite par deux anciens prisonniers de guerre, Stalag 17 est un film typique de Billy Wilder, dont c’est déjà le onzième film (mais à peine la moitié de sa filmographie !). Typique car on retrouve ce mélange de drame et d’humour qui lui est si propre, avec des dialogues très piquants et un rythme millimétré, tant dans les séquences légères que plus graves. Seul Billy Wilder pouvait parvenir à faire une comédie dans un camp de prisonnier de guerre ! Comme dans la plupart de ses films, le thème du double est au cœur du film (y compris pour une scène de danse avec un prisonnier travesti, ce qui n’est pas sans rappeler Certains l’aiment chauds !). Il retrouve un de ses acteurs fétiches, William Holden, avec qui il a déjà tourné son grand classique Boulevard du crépuscule (1950), et dont ce rôle d’opportuniste qui sert de bouc-émissaire (nous sommes alors en plein maccarthysme) lui vaudra l’Oscar du meilleur acteur (ils tourneront encore ensemble Sabrina l’année suivante et Fedora en 1978). Le rôle du chef de camp nazi est tenu par Otto Preminger, le fameux réalisateur autrichien émigré aux Etats-Unis à la filmographie impressionnante (Laura, La Rivière sans retour). Fait rare, le film a été tourné chronologiquement (dans l’ordre du scénario), ce qui est plus coûteux mais dont le but était que les acteurs ne soient pas au courant de l’identité du traitre parmi eux, afin de rendre leur suspicion plus réelle durant le tournage. Stalag 17 est devenu un des nombreux classiques de la filmographie de Billy Wilder (qui en fut nominé à l’Oscar du meilleur réalisateur), et un des meilleurs films de prisonniers de guerre avec La Grande évasion (1963).

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– 21h : Le Pont de la rivière Kwaï (David Lean – 1957 – 161 minutes)

Avec William Holden, Alec Guinness, Jack Hawkins, Sessue Hayakawa, James Donald, Ann Sears, Geoffrey Horne

En 1943, un camp japonais en Birmanie fait travailler des prisonniers de guerre britanniques pour construire un pont au-dessus de la rivière Kwaï, qu’un commando allié souhaite faire exploser.

Le Pont de la rivière Kwaï est un classique d’entre les classiques, souvent rediffusé à la télévision pour de bonnes raisons : cette superproduction spectaculaire n’a rien perdu de sa splendeur et de sa force. Adapté d’un roman du français Pierre Boulle (auteur de La Planète des singes, transposé plus tard au cinéma par Schaffner en 1968), le film porte sur la folie militaire et destructrice, où contre tout manichéisme le code d’honneur absurde et l’instinct de mort dominent dans les deux camps, envahisseurs japonais et prisonniers britanniques, prodigieusement et dramatiquement représentés par Sessue Hayakawa (nominé à l’Oscar du meilleur second rôle) et Alec Guinness (Oscar du meilleur acteur). Tourné à Ceylan (aujourd’hui Sri Lanka), le film est rempli de superbes scènes de jungle, ce qui n’est pas une surprise de la part de David Lean, réalisateur esthète qui éblouira les spectateurs du monde entier avec son prochain film, le légendaire Lawrence d’Arabie (1962). Succès total, avec un budget d’un peu de moins de trois millions de dollars Le Pont de la rivière Kwaï en remportera dix fois plus au box-office, et recevra quelques trente-quatre récompenses internationales (BAFTA, Golden Globes, New York Film Critics Awards, etc.), dont sept Oscars (meilleurs film, réalisateur, scénario, acteur, photographie, musique, montage). Quant à William Holden, il s’en tire plutôt bien, puisqu’il avait accepté le rôle sans enthousiasme en échange d’un salaire énorme et surtout de 10 % des bénéfices mondiaux du film !

Ciné-club Kevin Costner, acteur/réalisateur : Danse avec les loups (1990)

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– 19h : Danse avec les loups (Kevin Costner – 1990 – 224 minutes)

avec Kevin Costner, Mary McDonnell, Graham Greene, Rodney Grant

Un officier de la guerre de Sécession qui vit seul dans son fort, oublié par son armée, entre en contact avec une tribu de Sioux.

Kevin Costner (Silverado, Les Incorruptibles) était une grande star du box-office dans les années 80-90. Comme d’autres acteurs (Charles Laughton, Clint Eastwood, Marlon Brando, etc.) il s’essaie brillamment à la réalisation. Il pousse son Michael Blake à transformer son projet de scénario de Danse avec les loups en roman, dont l’acteur rachète les droits pour en faire un film, un anti-western. A l’opposé des westerns classiques, celui-ci n’est pas manichéen mais progressiste et contemplatif, un grand soin étant donné à la nature et aux superbes paysages du Dakota du Sud et du Wyoming. Le soucis d’authenticité est tel que les acteurs utilisés sont de véritables amérindiens Sioux, qui ont appris ou réappris le Iakota, la langue de leur tribu, utilisée tout le long du film (y compris par Costner). Danse avec les loups est un vibrant et humaniste hommage à cette tribu et par extension aux habitants originaires de l’Amérique, en restituant minutieusement leur mode de vie et leur culture, tranchant clairement avec la vulgarité et la brutalité des officiers américains, ce qui interroge fortement le peuple américain contemporain sur les fondements de leur pays et de sa colonisation barbare et meurtrière. Le personnage principal, parti à la découverte de l’Ouest américain, finira d’ailleurs par y trouver un sens supérieur à sa vie parmi les Sioux que parmi les colons américains. Cette sublime et émouvante fresque pacifiste d’un budget de 15 millions de dollars (Costner ayant dû financer lui-même les dépassements) a connu un triomphe public et critique monumental, en remportant 424 millions de dollars dans le monde (sept millions d’entrée en France), l’Ours d’argent au Festival de Berlin et pas moins de sept Oscars : meilleurs film, réalisateur, scénario, musique (John Barry, le compositeur des premiers James Bond), photographie, montage et son. On a rarement vu un tel succès, à la fois pour un western et pour un premier film !