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11 février 2018 : Ciné-club Heroic fantasy : Ladyhawke (1985) – Excalibur (1981)

– 19h : Ladyhawke, la femme de la nuit (Richard Donner – 1985 – 121 minutes)

avec Matthew Broderick, Rutger Hauer, Michelle Pfeiffer, Leo McKern, John Wood

Un jeune voleur s’échappe d’une prison, et rencontre un chevalier accompagné d’un faucon, qui se transforme en femme la nuit. Ils cherchent à briser le maléfice jeté par un évêque jaloux.

Richard Donner, réalisateur de Superman (et bientôt Les Goonies et L’Arme fatale) s’attaque à l’heroic fantasy. Tourné en Italie, Ladyhawke a les allures d’un roman médiéval, fantastique et romantique, à l’aspect technique soigné.  On retrouve Matthew Broderick (WarGames), Rutger Hauer (Blade Runner) et Michelle Pfeiffer (Scarface). A noter que la BO détonne, car elle est signé par un des membres du groupe de rock progressif Alan Parsons Project !

– 21h : Excalibur (John Boorman – 1981 – 141 minutes)

avec Nigel Terry, Helen Mirren, Nicholas Clay, Cherie Lunghi, Paul Geoffrey, Nicol Williamson

Le jeune Arthur parvient à décrocher l’épée Excalibur de son rocher, et devient roi. Avec les chevaliers de la Table Ronde, il va tenter de reconquérir son pays puis de retrouver le Graal.

Le roi Arthur et ses chevaliers de la Table Ronde est un des plus grands mythes occidentaux. A partir d’un roman de plus de mille pages du XVème siècle de Thomas Malory, John Boorman condense le cycle légendaire en deux heures vingt de façon monumentale, très riche visuellement, avec des acteurs excellents et une bande-son mettant à l’honneur les opéras de Wagner et Carmina Burana de Carl Off (avant que cela ne devienne un poncif des musiques de publicités). Présenté au Festival de Cannes, Excalibur en a remporté le prix de la contribution artistique.

5 mars 2017 : Ciné-club XIXème siècle : Raison et sentiments (1995) – Le Temps de l’innocence (1993)

RAISON ET SENTIMENTS

– 19h : Raison et sentiments (Ang Lee – 1995 – 136 minutes)

avec Emma Thompson, Alan Rickman, Kate Winslet, Hugh Grant, Gemma Jones, Hugh Laurie

A la mort de leur père, madame Dashwood et ses trois filles sont déshéritées et doivent déménager dans le Devonshire. Les deux ainées, aux tempéraments opposés, vont tenter de trouver l’homme de leur vie.

Publié anonymement à compte d’auteur en 1811, Raison et sentiments est le premier roman de Jane Austen, qui deviendra un classique de la littérature britannique et mondiale. S’il a déjà été adapté trois fois à la télévision, il s’agit de sa première adaptation cinématographique (et le second d’un roman d’Austen, après Orgueil et préjugés en 1940). La productrice a confié l’écriture du scénario à l’actrice Emma Thompson (Retour à Howards End, Au nom du père) après être tombée sur ses sketchs à la télévision – un travail de quatre ans qui sera récompensé par l’Oscar du meilleur scénario adapté. L’histoire tourne autour des histoires d’amour de deux sœurs, Elinor (Emma Thompson) et Marianne (Kate Winslet), dont les prétendants leur réservent des surprises, contrariétés et révélations. La première est raisonnable et résignée, là où la seconde est romantique et passionnée, au milieu d’une haute société anglaise codifiée et feutrée où les sentiments ne peuvent s’exprimer directement mais au mieux se deviner. La reconstitution est remarquable, tant au niveau des costumes fidèles que des magnifiques décors anglais, que ce soient les maisons à la campagne, la nature verte ou les intérieurs londoniens. Après le triomphe de Quatre mariages et un enterrement en 1994, Hugh Grant accentue son image de comédien romantique, avant Coup de foudre à Notting Hill ou Love Actually (où il retrouvera justement Emma Thompson et Alan Rickman). Raison et sentiments a été couronné de l’Ours d’or du meilleur film à Berlin, de sept nominations aux Oscars (dont meilleur film), de multiples BAFTA et Golden Globes et autres récompenses internationales. Son succès engendrera bien d’autres adaptations d’Austen au cinéma et à la télévision, comme Orgueil et préjugés, Persuasion ou Emma.

LE TEMPS DE L'INNOCENCE

– 21h15 : Le Temps de l’innocence (Martin Scorsese – 1993 – 139 minutes)

avec Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer, Winona Ryder

Dans la haute société new-yorkaise de 1870, Newland Archer est fiancé à la douce May, mais est troublé par l’arrivée d’Europe de la cousine de cette dernière, la comtesse Olenska, qui souhaite divorcer, ce qui est mal vu par la famille.

Publié en 1920, le roman d’Edith Wharton avait gagné le prix Pulitzer (le premier pour une écrivaine). Après deux premières adaptations cinématographiques (en 1924 et 1934), Martin Scorsese s’y attaque à son tour pour son quatorzième film, deux ans après son remake des Nerfs à vif. Si cela apparaît pour le réalisateur des Affranchis (1990) comme une curieuse incursion dans le mélodrame de la haute société du XIXème siècle, on décèle rapidement un de ses thèmes de prédilection : la description minutieuse des mœurs et du fonctionnement d’un clan codifié, à travers son style rigoureusement soigné (décors, costumes, accessoires), ses rituels (fastueux dîners, bals privés, sorties à l’opéra ou au théâtre) et ses protocoles. Le Temps de l’innocence est l’histoire d’un homme hésitant entre la sécurité bourgeoise et la coûteuse liberté punie socialement, d’un désir étouffé par les étiquettes, d’un amour impossible broyé par les conventions rigides et impitoyables de son milieu. Scorsese s’oriente ainsi vers le raffinement et l’analyse socio-historique des films de Visconti, du tandem Powell/Pressburger ou même du Docteur Jivago (où Geraldine Chaplin jouait déjà d’ailleurs). Habitué à préparer ses rôles intensivement, Daniel Day-Lewis se promena pendant deux mois dans les rues de New York habillé en costume du XIXème siècle, et s’isola des semaines dans un hôtel dans le style de l’époque (il retrouvera Scorsese dans Gangs of New York en 2002). Michelle Pfeiffer est comme toujours envoutante, mais la lisse et mièvre Winona Ryder révèle bien plus de subtilités que prévues (Golden Globes du meilleur second rôle, nomination à l’Oscar). Le film a remporté l’Oscar des meilleurs costumes, a été nommé à quatre autres (dont scénario adapté, direction artistique, musique). Scorsese reviendra ensuite en 1995 à la mafia avec son magnum opus, Casino.

27 décembre : Ciné-club Batman par Tim Burton : Batman (1989) – Batman Le Défi (1992)

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– 19h : Batman (Tim Burton – 1989 – 130 minutes)

avec Michael Keaton, Jack Nicholson, Kim Basinger, Robert Wuhl, Michael Gough, Pat Hingle, Billy Dee Williams, Jack Palance, Jerry Hall

Tombé dans une cave acide à cause de Batman et défiguré, le gangster Jack Napier devient le Joker et sème la terreur à Gotham City.

Le héros de comics créé par Bob Kane avait déjà connu une adaptation à l’énorme succès en série télévisée et en film dans les années 60. Mais leurs couleurs vives, ses onomatopées affichées à l’écran et l’humour enfantin les ont rendu (délicieusement) kitsch, et plus personne n’osa toucher à la franchise. Vingt plus tard, Tim Burton s’y attaque, et son propre univers sombre et déjanté (Beetlejuice, Edward aux mains d’argent) s’accommode judicieusement à l’obscurité et l’ambivalence de l’homme chauve-souris. Le rôle très disputé de Bruce Wayne a finalement été accordé à Michael Keaton (Beetlejuice). L’immense Jack Nicholson, habitué des rôles de fous (Vol au-dessus d’un nid de coucou, Shining), endosse le costume violet du Joker. La star Kim Basinger (Jamais plus jamais, 9 semaines 1/2) illumine de sa beauté la partenaire de Batman. Grâce à l’ambition et aux moyens investis, Gotham City est enfin gothique, sale et malfamé – le film obtient l’Oscar de la meilleure direction artistique. Prince, grand amateur du héros, signe trois chansons pour le film, et sortira un album entier inspiré du film. Batman a été un immense succès commercial, et a défini le nouveau standard des superproductions de héros de comics, qu’Hollywood exploite encore aujourd’hui.

 BATMAN LE DEFI

– 21h : Batman Le Défi (Tim Burton – 1992 – 126 minutes)

avec Michael Keaton, Danny DeVito, Michelle Pfeiffer, Christopher Walken, Michael Gough, Pat Hingle, Michael Murphy, Vincent Schiavelli

Le Pingouin et Catwoman s’allient dans le crime contre Batman.

Après le raz de marée du premier épisode, Warner Bros accorde encore plus de budget et de liberté (scénaristique et artistique) à Tim Burton. Il en tirera un de ses films les plus sombres et personnels, explorant les blessures les plus profondes et intimes du Pingouin (méconnaissable Danny DeVito), enfant monstrueux abandonné par ses parents), et Catwoman (sensuelle Michelle Pfeiffer en cuir moulant), secrétaire frustrée et dévalorisée par son patron, le cynique et malhonnête businessman Max Schreck (hommage à l’acteur de Nosferatu de Murnau, joué par Christopher Walken). Bruce Wayne n’est pas en reste, puisqu’il est attiré par Selina Kyle, pendant que leurs alter ego Batman et Catwoman se tournent autour. Les décors et cascades sont encore plus extravagants dans cet épisode, et le ton est bien plus violent et sexuel, ce qui ne sera pas au goût de tous, là où les fans le trouveront meilleur que le premier, le voyant comme un film d’auteur spectaculaire. Par la suite la franchise sera reprise avec beaucoup moins de crédibilité par Joel Schumacher (Batman Forever, Batman & Robin), avant de renaître de ses cendres avec Christopher Nolan dans une nouvelle trilogie à succès revenant sur la facette la plus tourmentée du héros et de son univers. A noter enfin que Michael Keaton reviendra sous les projecteurs avec Birdman (2014), film oscarisé sur un ancien acteur de superhéros qui essaie de relancer sa carrière.

Ciné-club caïd : Le Petit César (1931) – Scarface (1983)

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– 19h : Le Petit César (Mervyn LeRoy – 1931 – 78 minutes)

avec Edward G. Robinson, Douglas Fairbanks Jr., Glenda Farrell, William Collier Jr., Sidney Blackmer, Ralph Ince

Le caïd Rico Bandello, surnommé le petit César, intègre une bande de gangster et commence son ascension dans le crime et le pouvoir.

Adapté d’un roman de William Burnett, best-seller qui constituait la première étude psychologique d’un gangster, Le Petit César est un film pionnier, en posant les bases du film de bandits, où l’histoire est centrée sur des anti-héros et non plus sur la police ou les victimes, dans un contexte social de prohibition et de crise économique. Inédits pour l’époque, on voit apparaître les codes cinématographiques de décors urbains, fusillades, médiatisation, scènes de voiture ou de téléphone, costumes et demeures de plus en plus élégants ou tapes à l’œil au fur et à mesure de l’ascension, corruption politique, trahisons et bien sûr l’inévitable chute. Les américains étaient fascinés de voir à l’écran des sujets de leur réalité quotidienne la plus sinistre, à une époque où la frontière entre l’illégalité et la survie en temps de crise était mince – et les studios Warner furent les premiers à oser explorer ces sombres territoires. Le film révéla d’ailleurs Edward G. Robinson, immense acteur qui deviendra associé aux rôles de gangsters et tournera pour John Huston, Fritz Lang, Howard Hawks, John Ford, Frank Capra, Orson Welles, Billy Wilder, Vincente Minnelli, Cecil B. DeMille et d’autres. Le Petit César eut un immense succès (certaines de ses répliques sont devenues cultes) et lança la mode des films de gangsters, qui engendrera d’autres classiques comme L’Ennemi Public (1931) ou Scarface (1932).

 SCARFACE (1983)

– 21h : Scarface (Brian De Palma – 1983 – 169 minutes)

avec Al Pacino, Steven Bauer, Michelle Pfeiffer, Mary Elisabeth Mastrantonio, Robert Loggia, Miriam Colon, F. Murray Abraham, Paul Shenar

A Miami, Tony Montana, un immigré cubain est prêt à tout pour monter les marches du trafic de drogue.

Inspiré d’Al Capone, le Scarface d’Howard Hawks (1932) était devenu la référence cinématographique absolue des films de gangsters. Son remake baroque par Brian De Palma va le supplanter dans la culture populaire. Ecrit par Olivier Stone (après avoir signé les scénarios à succès de Midnight Express et Conan le Barbare), le film réactualisé prend place non plus à Chicago mais à Miami, dans le contexte de l’asile politique donné aux réfugiés cubains – comprenant quelques 25 000 prisonniers de droit commun libérés par Fidel Castro. La prohibition de l’alcool est remplacée par le trafic de cocaïne. Après le refus de Robert de Niro, c’est Al Pacino qui endosse ce qui allait être le rôle de sa vie, où ses pulsions nerveuses font corps avec le film et la réalisation esthétisé de Brian De Palma (qui accepta le projet comme une commande des studios). Tony Montana est devenu l’archétype du caïd mégalomane dominé par son désir de possession et qui ne communique que par la violence. Michelle Pfeiffer est engagée suite à sa prestation dans Grease 2. Miami ayant peur de récolter une réputation de criminalité, le tournage eut finalement lieu en majorité à Los Angeles. Le film fit scandale à l’époque pour sa violence, sa vulgarité et sa démesure – il échappa in extremis à une classification X (interdit aux moins de 18 ans). On y dénombre 42 cadavres, une scène à la tronçonneuse et 226 fois le mot fuck (soit une moyenne de 1,32 par minute). A noter que Steven Spielberg, en visite sur le tournage, aida à la réalisation de la scène finale de l’assaut colombien dans la demeure de Tony Montana. La bande-son est signée par l’italien Giorgio Moroder, producteur à succès de Donna Summer, Sparks ou David Bowie (et plus récemment Daft Punk), qui avait déjà signée celle de Midnight Express. Avec le temps, le film est devenu culte, connaissant un grand succès en vidéo, et son anti-héros est devenu une icône vénérée du gangsta rap et de ses amateurs, cité dans beaucoup de chansons. Al Pacino retrouvera Brian De Palma dix ans plus tard dans l’excellent L’Impasse.

13 octobre : Ciné-club Libertins : Les Liaisons Dangereuses (1988) – Le Casanova de Fellini (1976)

Le Festin Nu s’honore d’accueillir régulièrement des libertins dont l’anonymat est scrupuleusement respecté. Il était temps de leur consacrer une soirée cinématographique, avec deux adaptations des écrits les plus représentatifs du libertinage français du XVIIIème siècle.

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– 19h : Les Liaisons Dangereuses (Stephen Frears – 1988 – 119 minutes)
avec Glenn Close, John Malkovich, Michelle Pfeiffer, Keanu Reeves, Uma Thurman

Deux aristocrates, anciens amants et manipulateurs, complotent par défi de pervertir deux jeunes femmes vertueuses de la noblesse afin de les déshonorer publiquement.

Le classique et scandaleux roman libertin (paru en 1782) de Pierre Choderlos de Laclos a été adapté pas moins de six fois au cinéma. Malgré des concurrents de poids (Roger Vadim en 1959 ou Milos Forman en 1989), cette version de Stephen Frears passe pour la plus fidèle et la plus réussie. Mais l’adaptation fut loin d’être facile, puisque le roman original n’était constitué que de lettres entre les deux protagonistes principaux. C’est pourquoi Stephen Frears s’est aussi basé sur la pièce de théâtre que Christopher Hampton en avait tirée. C’est la seule version (avec celle de Forman réalisée au même moment) à situer l’histoire dans son XVIIIème siècle d’origine. Outre son scénario adapté, ses décors et ses costumes (qui reçurent tous trois un Oscar), le film brille pour son casting et son interprétation au sommet – au tout premier plan Glenn Close et John Malkovich, monstres qui mènent la cruelle mascarade, la première maniant l’hypocrisie et le venin à merveille, le second la sensualité et le sadisme. A noter l’un des tout premiers rôles de Uma Thurman en jeune ingénue qui ne le restera pas longtemps.

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– 21h : Le Casanova de Fellini (Federico Fellini – 1976 – 154 minutes)
avec Donald Sutherland, Tina Aumont, Cicely Brown

Le film narre la vie de Giacomo Casanova à travers plusieurs épisodes clefs, depuis son emprisonnement à la prison des Plombs à Venise jusqu’à ses voyages européens et ses conquêtes en Italie, France, Angleterre ou Allemagne.

Tourné en anglais intégralement dans les studios Cinecitta à Rome, cette production fastueuse nécessita une équipe d’une centaine de personnes, mille costumes, six cent perruques, cent quatre-vingt six interprètes, deux mille cinq cent figurants et un budget de six milliards de livres. On pourrait s’attendre à ce qu’une adaptation grandiloquente des mémoires de Casanova par le maestro italien renforce la légende du séducteur aventurier – pourtant Fellini s’est ennuyé à la lecture de sa vie, et entreprend de déconstruire le mythe ! Le titre du film indique donc clairement qu’il s’agit d’une vision très personnelle : à contre-courant des récits merveilleux qui lui sont d’ordinaire consacrés, Fellini montre sa futilité et sa déchéance pathétique au sein d’une époque vulgaire. Il ne faut pas non plus espérer se délecter de scènes de séductions glamours ou érotiques, car ses ébats sont chastement montrés comme mécaniques et répétitifs. Cependant le film n’en est pas pour autant négatif ou décourageant, il est au contraire conforme à l’esthétique fellinienne : baroque jusqu’au grotesque, d’une théâtralité poétique ou onirique, avec une musique ensorcelante et inoubliable du fidèle Nino Rota, au milieu de costumes scintillants de mille feux (couronnés par un Oscar) et de décors colossaux et féériques (qui en auraient mérité un aussi). Même si Fellini, pour qui les fantasmes sexuelles ont pourtant toujours été au cœur de son œuvre, semble régler ses comptes avec le mythe du sur-mâle, sa mise en image hallucinée et désenchantée de Casanova demeure une danse macabre tout à fait sublime.